Византийская живопись
К 9 веку в неразрывной органической связи с конструкцией зданий складывается система их внутреннего декоративного убранства. Один из крупнейших деятелей византийской церкви патриарх Фотий посвятил одну из своих гомилий (бесед) описанию мозаик, украшавших дворцовую церковь Неа Василия, посвященную богоматери (середина 9 века) В этой церкви в куполе был изображен Христос-Пантократор (вседержитель), окруженный ангелами, в абсиде находилась богоматерь-оранта, далее располагались на сводах апостолы, мученики, пророки и т. д.
Строгая система расположения изображений в архитектуре постепенно приобретала канонические формы и в известной мере отражала земную феодальную иерархию.
Мозаики церкви св. Софии. Культура Византии вышла из античности и продолжала сохранять с ней связь. Это особенно заметно в искусстве константинопольской школы в первые десятилетия после восстановления иконопочитания. Открытые в 30-х годах нашего столетия мозаики храма св. Софии дают представление о развитии столичного искусства в пределах от середины 9 века до середины 12 века. Наиболее ранние (расположенные в алтарной части) изображения архангела Гавриила и богоматери с младенцем хранят эллинистические традиции, напоминая никейские мозаики.
При всем земном характере этих образов они отличаются глубокой одухотворенностью. Здесь еще сохранена свободная манера контрастного сопоставления разноцветных кубиков смальты, то позднее мозаики выкладываются более правильными рядами с постепенными переходами близких по тону кубиков.
Над
главной дверью, ведущей из нартекса в
храм, представлен император Лев Мудрый,
распростертый перед троном Христа.
Сцена напоминает о церемониях византийского
двора, подробно описанных в сочинении
византийского императора Константина
Порфирородного. Лицо императора Льва
портретно. Тяжелые складки богатых
одежд следуют положению фигуры, но в
кладке кубиков заметно усиление линейного
начала.
Подобные сцены подношения получили впоследствии широкое распространение в искусстве Византии и связанных с ней стран.
В южной галерее храма расчищена целая серия императорских портретов 11-12 веков. В них много условности при большом внимании к передаче различных деталей пышных многоцветных одежд. Однако и в более поздних частях мозаик св. Софии лица не утрачивают объемной моделировки, фигуры сохраняют правильные пропорции. Полны глубокой одухотворенности лица богоматери и Иоанна Крестителя в композиции деисуса (деисус по-гречески - сцена моления) середины 12 века.
Благородный
аристократизм лица Христа в той же
композиции далек от суровой строгости
Пантократора (вседержителя) провинциальных
памятников того же времени; все эти лица
переданы с мягкой пластичностью.
Миниатюра
9-10 вв.
Своеобразный классицизм константинопольской школы 10 века получил свое выражение и в области книжной миниатюры. К этому времени относится ряд рукописей, подражающих старым образцам или копирующих таковые. Среди них преобладают рукописные книги религиозного характера, но встречаются и рукописи светского содержания, как, например, «Топография» Косьмы Индикоплова. Большой известностью пользуются рукопись Григория Назианзина (№ 510) и особенно псалтырь (№ 139) из Парижской национальной библиотеки. Миниатюры Парижской псалтыри резко отличаются от тех, что украшают Хлудовскую: они написаны не на полях рукописи, а занимают целые листы кодекса и заключены в орнаментальные обрамления. Большое место отведено пейзажу, данному в перспективе, равно как и архитектурному фону. Часто используются аллегорические изображения, олицетворяющие реки, горы и т. п. Ночь, например, изображается в виде женщины с опрокинутым факелом и распростертым над головой покрывалом, Мелодия сидит рядом с царем Давидом, представленным в образе юного пастуха, играющего на лире. Монументальная живопись 11-12 вв.
В течение 11-12 веков усиливается спиритуалистический характер искусства. Фигуры утрачивают телесность, они помещаются вне реальной среды, на золотом фоне. Архитектурный пейзаж или ландшафт приобретают условный характер. Элементы живописности, существовавшие ранее, вытесняются линейным изображением. Колорит также становится условней. Константинопольские мастера работали не только на территории самой столицы. Об этом свидетельствуют мозаики 11 века в церкви Успения (ныне разрушенные) в Никее и церкви в Дафни (близ Афин). Мозаики церкви в Дафни. В Дафни можно наблюдать то органическое единство конструкции здания и его декоративного оформления, которое характерно для византийского искусства зрелого периода. Мозаики хорошо обозримы, так как они расположены в верхних частях здания; в нижней части стены украшены мраморными плитами. Каждая сцена с большим искусством вписана в отведенное для нее пространство. Среди мозаик Дафни наиболее замечательны циклы мозаик с сюжетами из жизни Христа и богоматери. Трактовка фигур, позы, жесты, драпировка одежд свидетельствуют об использовании мастерами античных прототипов, но использовании творческом, подчиненном тому содержанию, которое художники вкладывали в изображенные ими сцены. Глубокая продуманность всей композиции, лаконичность в передаче сюжета, сдержанность жестов и тщательность в отборе деталей помогают сосредоточить внимание зрителя на внутренней характеристике участвующих лиц. Сдержанность трактовки не препятствует многообразию композиционных решений и характеристике персонажей. Утонченное мастерство рисунка сочетается в этих мозаиках с богатством цветовых оттенков и большой живописной культурой. Все это придает мозаикам Дафни особое очарование и красоту, свойственные всем произведениям настоящего искусства.
Мозаики монастыря Дафнии
Мозаики церкви Луки в Фокиде.
Совсем иную линию развития искусства отражают относящиеся почти к тому же времени мозаики церкви Луки в Фокиде. Они продолжают в известной мере ту народную традицию, которой были отмечены мозаики церкви св. Софии в Фессалониках. Грубоватые фигуры укороченных пропорций, графически переданные строго фронтальные лица с большими широко раскрытыми глазами, застывшие позы, ломаные складки одежд - все это придает провинциальный вид этому интересному памятнику.
Множество единоличных изображений указывает на развитой культ святых: особое почитание местных святых, а также святых воинов характерно для идеологии феодального общества.
Миниатюра 11-12 вв.
Относящаяся к тому же периоду книжная миниатюра стилистически близка к памятникам монументальной живописи. Появившийся в начале 11 века знаменитый Менологий (месяцеслов) Василия II (Ватиканская библиотека) далек от классицизма. Украшающие его миниатюры занимают часть страницы и органически связаны с великолепно написанным текстом и заглавными буквами. Легкие, как бы бесплотные фигуры святых выделяются на золотом фоне. Архитектурные формы обобщены и даны в значительно меньшем масштабе, чем фигуры, пейзаж условен и занимает минимальное место. Миниатюры переливаются яркими чистыми тонами - синим, красным, зеленым на золотом фоне.
В этом направлении развивается украшение византийской книги в течение 11 - начале 12 века: изумительные по тонкости исполнения орнаментальные заставки и инициалы включают растительный и геометрический орнамент, фигурки птиц и животных, а иногда и людей.
Особенно распространенным видом рукописных книг является Евангелие. Как правило, оно начинается с изображения евангелиста; текст часто сопровождается иллюстрациями основных, так называемых «праздничных», евангельских сцен. В некоторых, наиболее драгоценных, кодексах имеются и портретные изображения вкладчиков или заказчиков, чаще всего императоров или членов их семей.
Иконопись 10-12 вв.
Наряду с монументальной, мозаичной и фресковой живописью в византийском искусстве 10-12 веков развивается и своеобразный вид станковой живописи - икона. Роль иконы, по-видимому, значительно возросла в послеиконоборческий период (9 в). Однако число дошедших до нас памятников этого времени весьма ограничено.
Техника писания икон восковыми красками, так называемая «энкаустика», в это время постепенно исчезла. Господствует яичная темпера. По левкасу наносился первоначальный контур изображения, который затем заполнялся основным - локальным тоном, поверх которого делались высветления, подрумяны и т. д.
Монументальное искусство оказало значительное воздействие на икону. В иконе часто встречаются архитектурные элементы (арки, колонны). Общее с монументальной живописью можно проследить также и в принципах построения композиции. Человеческая фигура господствует в иконе. Ландшафт и архитектурный фон передаются условно; число действующих лиц весьма ограничено. Композиция строится вокруг центральной по своему значению фигуры, обычно выделенной размерами.
Одним из наиболее выдающихся образцов иконописи является икона Григория Чудотворца из собрания Эрмитажа (12 в.).
На первый взгляд она производит впечатление монументального мозаичного образа, выделяющегося на мерцающем золотом фоне. Глубокая одухотворенность, тонкий рисунок складок одежд, сдержанная красочная гамма, общее высокое качество исполнения дают основания для ее сближения с крупнейшим произведением этого вида искусства - иконой Владимирской Богоматери в Третьяковской галерее.
Икона
эта была расчищена в 1918 году. Под
множеством позднейших напластований
были вскрыты реставраторами лики
богоматери и Христа, принадлежащие руке
византийского мастера первой половины
12 века. Несколько грустное, глубоко
проникновенное выражение лица богоматери
производит и поныне неотразимое
впечатление. Лицо дано в темных оливковых
тонах, местами оживленных розовато-коричневыми
красками. Карминно-красными мазками
отмечены губы и уголки глаз. Серьезный
взор младенца обращен к матери; его лицо
исполнено в более светлой, контрастирующей
рядом с лицом матери красочной гамме.
При
всем спиритуалистическом характере
этого образа Владимирская Богоматерь
глубоко человечна и эмоциональна. Она
явилась образцом для многих позднейших
воспроизведений и подражаний.
Живопись русского Средневековья - фреска, мозаика, икона - вызывают неизменный интерес у искусствоведов и ученых всего мира.
Древнерусская монументальная живопись (фреска и мозаика) появились во времена Киевской Руси при князьях Владимире (980-1015 гг.) и Ярославе Мудром (1019 - 1054гг.). До княжения Владимира Русь была языческой и поклонялась многим божествам. Этот князь крестил Киев и большую часть Руси, приняв христианство от Византии. Новая религия утвердила единого Бога и на многие века определила облик русской истории и культуры.
На протяжении столетий русские мастера перенимали тонкое искусство "греков" (так называли византийцев, потому что они разговаривали на греческом языке).
Мозаика
- монументальный вид живописи, где изображение формируется посредством компоновки набора и закрепления на поверхности разноцветных камней, смальты, керамических плиток и других материалов.
Смальта
- небольшие кусочки цветного непрозрачного стекла. Она хорошо отражает свет, сохраняет свою яркость на протяжении многих столетий.
Для украшения киевских церквей мозаикой была построена мастерская, где изготовляли смальту. Кубики смальты окрашивались в разные цвета. Так ученые насчитали в мозаиках собора Святой Софии 177 оттенков!
В технике мозаики, как наиболее дорогой и сложной, выполнялись композиции в куполе и апсиде.
Остальные части храма расписывались фресками.
Фреска
- вид монументальной живописи, роспись водяными красками по сырой штукатурке. Фрески наиболее подвержены разрушению светом в отличие от мозаики. Так же фрески теряют первоначальный вид при появлении со временем трещин на штукатурке.
Некоторые фрески сохранились до наших дней. Чтобы фреска дольше не выцветала, не темнела и не портилась от сырости, существовали специальные рецепты, которые передавались от мастера к ученику из поколения в поколение и держались в строжайшей тайне.
Масляной живописи русское Средневековье не знало.
Собор Святой Софии в Киеве
- древнейший памятник, который сохранил монументальную живопись домонгольской Руси.
В зените центрального купола Святой Софии Киевской, в медальоне,- огромное поясное изображение Христа-Вседержителя. Вокруг медальона были расположены четыре архангела. Сохранилась лишь одна мозаичная фигура в голубом одеянии, а три остальные дописаны маслом в 1884 году М. А. Врубелем.
Из двенадцати изображений апостолов в рост, помещенных в простенках светового барабана, уцелела только верхняя часть мозаичной фигуры Павла. Ниже, на сферических парусах, поддерживающих центральный купол собора София Киевская,- четыре евангелиста (полностью сохранилось лишь изображение Марка). На подпружных арках уцелело пятнадцать мозаичных медальонов с изображениями мучеников. На двух столбах восточной арки размещена мозаичная сцена "Благовещение": слева - архангел Гавриил, справа - дева Мария.
 |
| Дева Мария |
В среднем ярусе апсиды Софийского Собора широко развернута многофигурная композиция "Евхаристия" (причащение).
Нижний ярус апсиды Святой Софии Киевской занимают изображения "отцов церкви" — святителей и архидиаконов (мозаика уцелела только в верхней части фигур).
Убранство главного алтаря собора София Киевская является высоким образцом синтеза архитектуры и живописи, что вообще характерно для всего древнего интерьера Софии Киевской. Сцены и персонажи, набранные мозаикой,- это символы, раскрывающие основные положения христианского вероучения. Они воспринимаются как своеобразный эпиграф к последующему живописному рассказу, изложенному в технике фрески. На сценах трансепта (главного поперечного членения храма) расположены евангельские сцены повествовательного характера, из которых лучше других сохранились "Распятие", "Сошествие Христа во ад", "Явление Христа женам-мироносицам", а также сцена "Сошествие святого духа", замечательная по композиции, своеобразной манере письма и мягкому колористическому решению.
 |
| фреска "Сошествие Христа в ад" ("Сошествие в ад"). Трансепт. Северная сторона София Киевская |
Значительное место в живописном убранстве Храма София Киевская занимают орнаменты, которые украшают оконные и дверные проемы, обрамляют отдельные фресковые и мозаичные композиции, подчеркивают основные архитектурные линии интерьера. Чаще всего они имеют растительный характер и состоят из стилизованных пальметок, побегов лозы, завитков и почек. Реже встречаются геометрические орнаментальные построения. Нарядные и красочные, орнаменты также вносят светское начало в общую систему росписей Софии Киевской
Общий вид на алтарь
В XII - н. XIII в.в. центром политической и культурной жизни российских земель стал г. Владимир. Принципы монументальной живописи стали меняться. На владимиро - суздальских фресках апостолы - это не массивные фигуры киевского храма с их устремленным прямо на зрителя гипнотизирующим взглядом. Художник изобразил апостолов в динамичных позах. Они одеты в широкие, ниспадающие складками плащи и обращены друг к другу, будто беседуют. Лики святых объемны, переходы от света к тени плавны. Во владимирском соборе, как и в Софии Киевской, греческому мастеру помогали русские живописцы, для которых подобное сотрудничество было лучшей школой.
С Х века по 1240 год в Новгороде было построено 125 церквей. По особому приглашению в Новгород прибыл Феофан Грек (ок. 1340-1410) - замечательный византийский живописец. За свою жизнь он расписал множество храмов на Руси и за ее пределами, но сохранились лишь фрески новгородской церкви Спаса Преображения на Ильине улице.
Икона
(др.-греч. «образ», «изображение») - в христианстве священное изображение лиц или событий библейской или церковной истории.
Объединение русских земель вокруг Москвы открыло новую эпоху в развитии русской истории и культуры. Сплав византийского и славянского наследия образовал ядро русской национальной культуры. Монументальная живопись московской Руси, опираясь на византийские и владимиро - суздальские традиции, пережила необыкновенный взлет в творчестве самых крупных мастеров эпохи - Андрея Рублёва (ок. 1360-1430) и Дионисия (ок. 1440-1505).
Андрею Рублёву заказывали расписывать важнейшие храмы московской Руси. Вместе со своим учителем Феофаном Греком он расписывал интерьер Благовещенского собора Московского Кремля, а также украшал Троицко - Сергиевый собор, восстанавливал после монголо - татарского ига живопись Успенского собора во Владимире.
В его творчестве прослеживается созерцательно - лирическое направление живописи.
Произведения Андрея Рублева принадлежат к высшим достижениям русского и мирового духовного искусства, воплотившего возвышенное понимание духовной красоты и нравственной силы человека Руси. Эти качества присущи иконам Звенигородского чина (“Спас”, “Апостол Павел” (находится в Русском музее), “Архангел Михаил”, все - рубеж XIV-XV вв.), где лаконичные плавные контуры, широкая манера письма близки приемам монументальной живописи.
В к. XIV - н. XV в. Рублев создал свой шедевр - икону “Троица” (находится в Государственной Третьяковской галерее). Традиционный библейский сюжет он наполнил глубоким поэтическим и философским содержанием. Отойдя от традиционных канонов, поместил в центре композиции единственную чашу (символизирующую жертвенную смерть), а ее очертания повторил в контурах боковых ангелов. Центральный (символизирующий Христа) ангел занял место жертвы и выделен выразительным контрастом пятен темно-вишневого и голубого цветов. Вписанная в круг композиция пронизана глубокими круговыми ритмами, подчиняющими себе все линии контуров, согласованность которых производит почти музыкальный эффект. Иконы писались темперой (масляных красок не знали).
Крупнейшие мастера древнерусской живописи, включая Дионисия, испытали глубокое воздействие его творчества. Дионисий - последний из величайших иконописцев Древней Руси, представитель Золотого Века русской иконописи.
«Распятие» - икона праздничного чина. В ней не только смерть, страдание и ужас, но и попрание этой смерти, радость будущего воскресения, искупления грехов всех людей. Вся эта икона – движение по вертикали, начиная с необычайно вытянутой фигуры Христа, символа прорыва из земной сферы в небесную. Этот прорыв совершается через крест, который является одним из важнейших христианских символов. Плоскость иконы мысленно делится по вертикали на три зоны: нижняя, самая узкая, означает преисподнюю, средняя – мир человека на земле, верхняя – небо. Здесь совмещаются две перспективы: традиционная для живописи (весь мир) и традиционная для иконописи – обратная (фигура Христа). Главный смысл этой иконы – непостижимое чудо, превращение унижения и страдания Богочеловека в его возвеличение и прославление, его смерти – в символ бессмертия.
 |
| Распятие. Дионисий |
 |
| Фрески Собора Рождества Богородицы Ферапонтова монастыря. Дионисий |
 |
| Сошествие во ад. Дионисий |
Русская иконопись- развивавшееся в недрах православной церкви изобразительное искусство Древней Руси, начало которому было положено в конце X века крещением Руси. Иконопись оставалась ядром древнерусской культуры вплоть до конца XVII века, когда в петровскую эпоху была потеснена светскими видами изобразительного искусства. Подробности Категория: Изобразительное искусство и архитектура древних народов Опубликовано 28.01.2016 16:53 Просмотров: 10001
«Византия создала блестящую культуру, может быть, самую блестящую, какую только знали средние века, бесспорно единственную, которая до XI в. существовала в христианской Европе.
Константинополь оставался в течение многих столетий единственным великим городом христианской Европы, не знавшим себе равных по великолепию. Своей литературой и искусством Византия оказывала значительное влияние на окружавшие её народы. Оставшиеся от неё памятники и величественные произведения искусства показывают нам весь блеск византийской культуры. Поэтому Византия занимала в истории средних веков значительное и заслуженное место» (Ш. Диль «Основные проблемы византийской империи»).
Византийская художественная культура стала родоначальницей некоторых национальных культур, в том числе, например, древнерусской культуры.
Византийская империя (Византия) сформировалась в 395 г. в результате окончательного раздела Римской империи после смерти императора Феодосия I на западную и восточную части. Через 80 лет Западная Римская империя прекратила своё существование, а Византия стала исторической, культурной и цивилизационной преемницей Древнего Рима на протяжении почти 10 столетий.
В 1453 г. Византийская империя окончательно прекратила своё существование под натиском османов (Османской империи).
Бессменной столицей и цивилизационным центром Византийской империи был Константинополь, один из крупнейших городов средневекового мира. В южнославянских языках назывался Царьград. Официально переименован в Стамбул в 1930 г.
Юстиниан I. Мозаика из базилики Сан-Витале (Равенна)
Положения самой могущественной средиземноморской державы Византия добилась при императоре Юстиниане I (527-565).
Общая характеристика византийского изобразительного искусства
I-III вв. – раннехристианский период
(период предвизантийской культуры).
IV-VII вв. – ранневизантийский период
. Его называли «золотым веком» императора Юстиниана I (527-565).
VIII-начало IX вв. – иконоборческий период
по указанию императора Льва III Исавра (717-741). Он издал Эдикт о запрещении икон.
867-1056 гг. – период Македонского Возрождения
. Считается классическим периодом византийского искусства. XI в. – высшая точка расцвета византийского искусства.
1081-1185 гг. – период консерватизма
. Правление императоров династии Комнины.
1261-1453 гг. – период Палеологовского Ренессанса
. Это время возрождения эллинистических традиций.
Архитектура Византии
С первых дней своего существования Византия начала возводить величественные сооружения. К греко-римским элементам искусства и архитектуры примешивались восточные веяния. За весь период существования Византийской империи было создано много замечательных памятников во всех областях Восточной империи. До сих пор в искусстве Армении, России, Италии, Франции, в арабском и в турецком искусстве прослеживаются византийские мотивы.
Особенности византийской архитектуры
Формы византийской архитектуры были заимствованы у античной архитектуры. Но византийское зодчество постепенно их видоизменяло и в течение V в. выработало свой тип сооружений. В основном это были храмовые сооружения.
Главной его особенностью являлся купол для покрытия средней части здания (центрально-купольная система). Купол был уже известен в языческом Риме и в Сирии, но там он помещался на круглом основании. Византийцы первые разрешили задачу помещения купола над основанием квадратного и четырёхугольного плана при помощи так называемых парусов.
Па́рус
– часть свода, элемент купольной конструкции. Посредством паруса осуществляется переход от прямоугольного основания к купольному перекрытию или его барабану. Парус имеет форму сферического треугольника, вершиной опущенного вниз. Основания сферических треугольников парусов в сумме образуют окружность и распределяют нагрузку купола по периметру арок.
Внутри византийских храмов вокруг среднего подкупольного пространства, за исключением алтарной стороны, шла галерея типа хо́ров (верхняя открытая галерея или балкон внутри церкви, обычно на уровне второго этажа в парадном зале.
В западноевропейских храмах на хорах обычно размещаются музыканты, певчие, орган. В православных церквях – клирос (певчие и чтецы).
Владимирский собор в Киеве. Хо́ры, устроенные над боковыми нефами храма
Снизу галерею поддерживали колонны, антаблемент (балочное перекрытие пролёта или завершение стены) которых был не горизонтальный, а состоял из полуциркульных арок, перекинутых с колонны на колонну.
Колонны, поддерживающие галерею в храме Святой Софии
Внутренность здания не отличалась богатством и сложностью архитектурных деталей, но его стены облицовывались снизу дорогими сортами мрамора, а вверху, как и своды, обильно украшались позолотой, мозаичными изображениями на золотом фоне или фресковой живописью.
Интерьер Софийского собора
Мозаичное изображение Богородицы
Шедевром византийской архитектуры является Софийский собор.
Софийский собор (Стамбул)
Бывший православный собор, впоследствии – мечеть, в настоящее время – музей; всемирно известный памятник византийского зодчества, символ «золотого века» Византии. Официальное название памятника в сегодняшний день – Музей Айя-Софья.
Более тысячи лет Софийский собор в Константинополе оставался самым большим храмом в христианском мире (до постройки собора Святого Петра в Риме). Высота Софийского собора 55,6 м, диаметр купола 31 м.
Церковь Святой Ирины в Константинополе (Стамбул)
Представляет новый для VI в. тип базилики в форме креста. Притвор церкви выложен мозаикой времен Юстиниана. Внутри стоит саркофаг, в котором, по преданию, покоятся останки Константина (римского императора).
После завоевания Константинополя в 1453 г. церковь не была переделана в мечеть и значительных изменений в её внешнем виде не было произведено. Благодаря этому до наших дней храм Святой Ирины является единственной церковью в городе, сохранившей свой первоначальный атриум (просторное высокое помещение при входе в церковь).
Современный интерьер церкви
Живопись
Основным видом живописи была иконопись. Иконопись развивалась, в основном, на территории Византийской империи и стран, принявших восточную ветвь христианства – православие. Иконопись вместе с христианством приходит сначала в Болгарию, затем в Сербию и Русь.
Владимирская икона Божией Матери (начало XII в., Константинополь)
По церковному преданию, икону написал евангелист Лука. Икона попала в Константинополь из Иерусалима в V в. при императоре Феодосии.
На Русь икона попала из Византии в начале XII в. в качестве подарка святому князю Мстиславу от патриарха Константинопольского Луки Хрисоверга. Сначала Владимирская икона находилась в женском Богородичном монастыре Вышгорода (недалеко от Киева). Сын Юрия Долгорукого святой Андрей Боголюбский в 1155 г. принес икону во Владимир (поэтому она и получила своё наименование). Хранилась в Успенском соборе.
Во время нашествия Тамерлана в 1395 г. чтимая икона была перенесена в Москву для защиты города от завоевателя. На месте «сретения» (встречи) москвичами Владимирской иконы был основан Сретенский монастырь, давший название улице Сретенке. Войска Тамерлана без видимых причин повернули от Ельца обратно, не дойдя до Москвы, по заступничеству Богородицы.
В монументальной живописи Византии большое распространение получила мозаика
.
Византийская мозаика (V в.)
Мозаика времён Юстиниана I
Скульптура
Скульптура в Византийской империи не получила особого развития, т.к. восточная церковь не очень благосклонно относилась к статуям, считая поклонение им в некотором роде идолопоклонством. Особенно нетерпимыми скульптурные изображения стали после постановления Никейского собора 842 г. – они были полностью устранены из соборов.
Поэтому скульптуре оставалось только украшать саркофаги или орнаментальные рельефы, переплёты для книг, сосуды и др. Материалом для них служила в большинстве случаев слоновая кость.
Порфировые тетрархи
Четыре тетрарха
– скульптурная композиция из тёмно-красного порфира (тёмно-красная, пурпурная горная порода), вмонтированная в южный фасад венецианского собора Сан-Марко. Статуя была изготовлена в первой половине IV в. и являлась частью константинопольского Филадельфейона (одна из важнейших городских площадей Константинополя), построенного рядом с колонной Константина (современная площадь Чемберлиташ).
Известен Диптих Барберини
– византийское изделие из слоновой кости, выполненное в античном стиле. Это изображение императорского триумфа датируется первой половиной VI в., а император обычно отождествляется с Анастасием I или, что более вероятно, Юстинианом I.
Диптих Барберини (V-VI вв.)
Декоративно-прикладное искусство
Были развиты резное дело, обработка металлов, из которых исполнялись выбивные или литые рельефные произведения.
Существовал и ещё один вид работ (agemina): на медной поверхности дверей или других плоскостей делался лишь слегка углублённый контур, который выкладывался другим металлом, серебром или золотом. Так выполнены двери римской базилики Сан-Паоло-фуори-ле-Мура, погибшие во время пожара в 1823 г., двери в соборах Амальфи и Салерно близ Неаполя.
Таким же способом изготовлялись напрестольные образа, доски для стенок престолов, оклады для Евангелий, ковчеги для мощей и т. п.
Особенно искусны были византийские мастера в эмальерных изделиях, которые можно разделить на два сорта: простую эмаль и перегородочную эмаль. В первой на поверхности металла делались с помощью резца углубления соответственно рисунку, и в эти углубления насыпался порошок цветного стекловидного вещества, которое потом сплавлялось на огне и приставало прочно к металлу; во второй рисунок на металле обозначался приклеенной к нему проволокой, и пространства между получившихся перегородок заполнялись стекловидным веществом, получавшим потом гладкую поверхность и прикреплявшимся к металлу вместе с проволокой посредством плавления.
Образцом византийского эмальерного дела является знаменитая Pala d"oro
(золотой алтарь). Это род маленького иконостаса с миниатюрами в технике перегородчатой эмали, украшающий собой главный алтарь в венецианском соборе св. Марка.
Пала д"Оро
Иконостас содержит множество миниатюр.
Миниатюра с изображением Христа
Изготавливали в Византии и ювелирные украшения.
Обручальное кольцо, чернёное золото (Византия)
Мозаичный перистиль Большого императорского дворца (Музей мозаик), VI в.
Мозаичный перистиль Большого императорского дворца (Музей мозаик), VI в.
Мозаичный перистиль Большого императорского дворца (Музей мозаик), VI в.
Напоминает старый анекдот "чё тут думать - трясти надо!"
Мозаичный перистиль Большого императорского дворца (Музей мозаик), VI в.
Очень даже брутально. И кровь вполне натуральная.
Мозаичный перистиль Большого императорского дворца (Музей мозаик), VI в.
Мальчик и кролик (хотя мне там ягнёнок мерещится). Судя по выражению лица мальчика, кролику (он же ягнёнок) недолго осталось...
Мозаичный перистиль Большого императорского дворца (Музей мозаик), VI в.
Если кит лев и слон подерутся, то кто победит?
Мозаичный перистиль Большого императорского дворца (Музей мозаик), VI в.
Очень, кстати, натуралистично. Даже крылья у льва.
Мозаичный перистиль Большого императорского дворца (Музей мозаик), VI в.
Император Иоанн II Комнин (1118—1143) и императрица Ирина. В руках у императора мешочек с деньгами. Это неспроста. Именно в этой части храма Св. Софии была касса клир Св. Софии получал жалование.
Мозаики Св. Софии Премудрости.
Император Константин IX Мономах (11 июня 1042 — 11 января 1055) с императрицей Зоей - тоже с мешком денег.
Мозаики Св. Софии Премудрости.
Мозаики Св. Софии Премудрости.
Император Лев VI Мудрый (Философ) (19 сентября 866 — 11 мая 912) у ног Спасителя вымаливает прощение за четвёртый брак.
Мозаики Св. Софии Премудрости.
Деисус.
Храм Св. Софии. Детали.
Вензель императора Юстиниана I (527—565 гг.) и Феодоры в капители колонны.
Храм Св. Софии. Детали.
Капитель колонны.
Храм Св. Софии. Детали.
Капитель колонны.
Храм Св. Софии. Детали.
Граффити - скандинавские руны IX века, викинг Halvdan.
Храм Св. Софии. Детали.
Граффити: "Матфей поп галический".
Люди не меняются... Граффити "Коля, 30. 03. 2011 г." - тоже присутствует...
Церковь Богородицы Кириотиссы (XI-XII вв.)
Фрески интересны тем, что эта часть (нижняя церковь) недоступна для туристов. Её показывают только наиболее продвинутым краеведам. Освещения в ней нет никакого, до недавних пор была затоплена.
Церковь Богородицы Кириотиссы (XI-XII вв.)
Церковь Богородицы Кириотиссы (XI-XII вв.)
Мозаика на полу.
Церковь Христа Пантократора монастыря в Хоре (527 г., с переделками VII, IX вв.(?) (археологических подтверждений нет), 1-я фаза строительства — основное пространство - 1077-1081 гг.; 2-я фаза строительства — нартекс и эксонартекс, парекклесион с южной стороны — между 1315 и 1321 гг.
В куполе и на стенах мозаики с житием Богородицы по апокрифичному Протоевангелию от Иакова.
Церковь Христа Пантократора монастыря в Хоре.
Мозаики 1315 г.
Церковь Христа Пантократора монастыря в Хоре.
Мозаики 1315 г.
2 - Фрески
Ряд злосчастий, которые обрушились на европейскую культуру, в какой-то как бы методической последовательности, погубили эти памятники. Но больше всего пострадали они от нерадения и по недостатку средств. В частности, история империи является отныне (с небольшими передышками) историей постепенной деморализации и банкротства. К этому присоединился индеферентизм к классическому искусству упадочных язычников и ненависть к нему торжествующих фанатиков-христиан. Храмы запирались и разрушались за недостатком молящихся, кумиры уничтожались, как дьявольские личины, и таким образом гибли источники художественных знаний и вдохновений, ибо ведь не только искусство катакомб было отпрыском античного искусства, но и все искусство Византии до X века (и отчасти дальше) было таковым же. К этому медленному органическому тлению нужно прибавить еще ужасающие, иногда даже смертоносные, кризисы, каковыми были наплывы варваров. Италия, кроме папской области, была уже в VII веке "культурной пустыней", и дичали, пустели, благодаря напору пришлых из Азии элементов, все главные твердыни античной образованности: Египет, Антиохия, весь север Африки. Возрождение некоторых из этих областей происходит уже под новым знаком Ислама.
В настоящей "столице" разлагающегося царства, в "новом Риме" - в Константинополе, этим кризисам соответствуют династические и другие бунты, нашествия и осады, а также разруха долголетнего иконоборческого движения. Что щадили одни, то губили другие. В частности, иконоборцы разрушают все, что создали их предшественники, все христианско-церковное творчество, и взамен того они знаменуют известный поворот к античному "светскому" пониманию искусства, реакционеры церковники одолевают иконокластов, с тем большей яростью должны были продолжать дело разорения языческой древности. Жалкие остатки эллинизма погибли затем под наслоениями арабской, а впоследствии - турецкой культуры.
Из того, что осталось от последнего (уже христианского) периода античной живописи, все сводится к стенным мозаикам и фрескам в Равенне, в Риме, в Неаполе, на Синае, в Солуни, на Кипре, в небольших египетских церквях, к нескольким десяткам рукописей с иллюстрациями (из которых ни одна не оригинальна), к тканям, преимущественно египетским, и к нескольким мозаичным полам. Косвенное представление о живописи дают, далее, изделия из слоновой кости, рельефные украшения палестинских елейных сосудов и мраморных саркофагов. Все эти памятники подтверждают могущество эллинистического художества, с которым мы уже встретились при разборе кампанских и римских фресок, все носят черты позднего александрийского (или восточно-азиатского) искусства и в то же время уже сильно выражают какой-то "экзотический", чуждый классицизму характер. Нужно думать, что подавленные временно греками и римлянами национальные элементы в азиатских и африканских провинциях, царства Александра и империи кесарей с момента ослабления наносной культуры завоевателей стали постепенно брать снова верх над нею, а к этому присоединилась роль востока как колыбели всеми принятой официальной религии, и, наконец, влияние напиравшей с востока на империю цивилизации персов.
Юноша Давид-псалмопевец среди стада. Миниатюра ы "Парижском псалтире" X века
Этот "восточный оттенок" христианско-античного искусства способствовал, с одной стороны, игнорированию всего чисто пластического элемента: живопись становится все более и более "плоской" 1 ; с другой стороны, этот же "восточный оттенок" сообщил искусству всей империи ту величественную схематичность, которая была чужда классической культуре. Двор византийских императоров заимствовал многие черты этикета от восточных придворных ритуалов, сообщив эти же черты и церковному искусству, ставшему в непосредственную связь с императорской властью.
Одновременно с суровой торжественностью и схематическим протоколизмом, с востока пришла жажда поражающей роскоши и блеска, выразившаяся как в безмерном употреблении золота и серебра, так и в густой, яркой красочности.
Перенесение мощей св. Марка в Венецию. В фоне композиции собор св. Марка в своем первоначальном виде. Редкий пример "ведуты" в византийской живописи. Мозаика XIII века на фасаде собора.
Можно утверждать, что все, что есть в христианско-античном искусстве нежного, изящного, гармоничного, остроумного, мало-мальски жизненного, - все это последние следы увядающего эллинизма. Напротив того, все, что в нем есть черствого и "гордого" в формах, пестрого и роскошного в красках, все это пришло с востока, причем не последнюю роль могли играть погибшие культуры Ассирии и Вавилона, давшие около того же времени последнее отражение в искусстве Сасанидов.
Главные изменения в христианском искусстве, как и следовало ожидать, произошли в области религиозной живописи исторического и символического характера, к которой мы обратимся впоследствии, напротив того, в той области, которая подлежит нашему исследованию в настоящей части, т.е. в пейзаже, а также в живописи животных и мертвой натуры, мы видим долгое время, вплоть до X века (а в миниатюре даже еще дольше) упорное переживание античных форм и как бы даже самого духа эллинистического искусства.